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天胡说画

说也不说画也不画乎自在

 
 
 

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天胡——(笔名胡岸,原名胡玉环),中国美术家协会会员,中国版画家协会会员。河北画院版画研究员,

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如何评价莫奈《睡莲》?  

2017-02-10 09:17:02|  分类: 外国油画 |  标签: |举报 |字号 订阅

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本文来源略有修改https://www.zhihu.com/question/22095511

要理解莫奈的《睡莲》系列作品,最重要的是理解他这个人。我们先绕个远,再回来说。


我国南朝时候有个人叫宗炳,他这个人喜欢旅游。《南史·宗炳传》说他“好山水,爱远游……眷恋庐、衡,不知老之将至。”后来他年纪大了,走不动了,自己感慨道:“老疾俱至,名山恐难遍睹,唯澄怀观道,卧以游之。”具体来说,就是“凡所游履,皆图之于室。”把去过的地方画出来,放家里挂着,过过眼瘾也是好的。


后来有个叫郭熙的人,写了一本书叫《林泉高致》,这本书是讲山水画的。他在开篇谈到,人们为什么喜欢山水画呢?总的来说,就是日常生活或者太枯燥,或者太闹心。而出去玩呢,则有好山好水好心情。而山水画呢,则要替代山水,让人在看画的时候,精神世界就进入到画中的山水去玩,等玩出来以后,也就在精神上享受了好山好水,获得了好心情了。 “谓山水有可行者,有可望者,有可游者,有可居者。画凡至此,皆入妙品……君子之所以渴慕林泉者,正谓此佳处故也。”他说的就是这么个事儿。


莫奈的状况和宗炳是有相似之处。大家看莫奈年轻画的画,主要是这种:

 

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还有这种:

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但是到了晚年,就变成了这种:

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还有这种:

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他用笔越来越粗犷,颜色越来越潇洒。但是总的来说,年纪大了,走不动了。莫奈在1883年拖家带口搬去了巴黎北部的农村吉维尼,这小地方当年只有279个居民。他拿22000法郎买了一个大宅子,然后就开始心花怒放地栽花种地。从那以后,这片小天地就几乎成了难以远行的莫奈的全部世界。用他自己的话说:“我最近身体状况还行,也想画画……我甚至想画点大画,我在地下室找到些旧草稿,克列孟梭看到后很是喜欢。总之,但愿,你们很快就能看到它们。”(C. Monet, 1914, quoted in R. Kendall (ed.), Monet by himself: Paintings, drawings, pastels, letters, London, 1989, p. 247)


从那以后,莫奈就“我一天到头和这些画布打交道。画了一张又一张,有些颜色在前几天画的时候消失了,调不出来了,可是画着画着又突然出来了。当我以为我捕捉到一种颜色时,我尽全力把它落实到画布上,可是它来去无踪,刚出现,就消失了,呈现出另一种我等待了好几天,想画在另外一张画上的奇妙颜色。所以我一天到头停不下来!” (R. Gimpel, quoted in C. Stuckey (ed.), Monet: A Retrospective, New York, 1985, p. 307).


经过这种精神状态创作出来的作品,会让我们在看的时候也不知道眼睛应该往哪儿搁。仿佛哪里都值得一看,而我们的眼神又不会永远注目于一点。我们的目光,就像是莫奈自己一样,一会儿看这,一会儿看那,迷醉于变化万千的光与影中。如果我们可以画出一个人看画时目光焦点的变动,那么看睡莲的时候一定是目光到处乱窜的。(如果这个不好理解的话,大家比对一下伦勃朗的作品,看看目光停留在何处?)而当年,他的作品也给观众同样的感受。1918年,René Gimpel拜访莫奈的工作室,他回忆道:“我们面对着一个奇怪的艺术奇观:二十多张画一张挨一张地围成一个圆圈,我们则置身其中。所有作品都有差不多一米八宽,一米二高。画面上画的全是水面和睡莲,光和天空。在这水天相接的画面中,我难以分辨该从哪张画开始看,或是到哪里算结束。那感觉像是看到了混沌初分的一刻,是如此神秘、富有诗意、如此美妙得不真实。”(引文同上)


这不恰恰就是郭熙所说的可以看可以玩可以纵情其中的画作吗?在各位知友的答案中,无论照片还是回忆,也多有沉醉其中的经验。“画凡至此,皆入妙品……君子之所以渴慕林泉者,正谓此佳处故也。”莫奈为人们创造了这样美妙的世界,特别是如Norton Simon一般的大收藏家,恐怕更心有戚戚焉。花几千万就能买到一个美丽世界,一点儿也不贵。


因此我们可以说,尽管花园这一题材为众多印象派艺术家乃至各派先师均有涉猎,但“在众多的印象主义者中,莫奈的《睡莲》系列独树一帜,产生了极其广泛且深入人心的影响,无可争议地成为了现代主义时代的先声。” (Edit Robert L. Herbert, Impressionism: Art, Leisure, and Parisian Society, New Haven, 1988, p. 259)


另附:伦勃朗作品,是另一种“引人入画”,附图一张,供大家比对。

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基于对印象派和后印象派绘画的兴趣,刚好借此题把一些我了解的内容串起来,只是我所知的内容是源于后人写的画传以及总结的艺术史,也许并不是真实的情况,另外因为水平有限,难免会有理解上的偏差,欢迎讨论指正。最后会侧重描述莫奈,希望各位有耐心读完。
我试图把这些人的形象联接在一起勾勒,首先要提到马奈。马奈在1863年作了一幅画《草地上的午餐》,在“落选沙龙”展出后一举成名。这幅画除了在构图、空间表现上有创新之外,在绘画技法方面有着开拓性的创新,用平涂的色块代替学院派绘画中的精细描绘,远处的风景只用稀疏的笔法点到即止,或者干脆只用色彩对比来表现,这是传统学院派所不能接受的。莫奈、毕沙罗、雷诺阿等画家深受触动,此后他们加入到马奈的圈子经常在咖啡馆一起讨论新艺术观。虽然马奈一直拒绝参加印象派大展,但他对印象派的提携造就了其后来的繁荣。19世纪60年代中期巴黎某个咖啡馆印象派画家的聚会场景:马奈是中心人物,德加和马奈的社会背景和文化趣旨相合,是马奈的好朋友。毕沙罗虽然在这里是最年长的,看起来温和,但争论起来也充满着激情。塞尚如果在一定会和毕沙罗坐在一起,他因为腼腆还一口南方口音经常被大家嘲讽,多亏有毕沙罗为他解围。莫奈、雷诺阿、西斯莱和巴齐耶年龄相仿最早形成四人组,在四人组里莫奈是核心,他们代表着年轻一派。画家们除了切磋和谈论新艺术,也少不了义愤填膺地骂沙龙,谁叫他们太年轻、出道晚、又没按照学院派的路数绘画沙龙没给他们什么机会呢,只好互相鼓励抱团取暖。年龄上从长到幼依次:毕沙罗(1830-1903)、马奈(1832-1883)、德加(1834-1917)、塞尚(1839-1906)、西斯莱(1839-1899)、莫奈(1840-1926)、雷诺阿(1841-1919)、巴齐耶(1841-1870)。毕沙罗最长,莫奈活得最久。
不得不插进来印象派大展,它最先是为了对抗沙龙画展,被莫奈提议进行的,时间在沙龙画展前两星期作为独立群体展出。早先的目的是因为莫奈这些新派年轻画家在沙龙画展几乎没什么机会入选,如果只依赖沙龙画展他们就没有机会和公众见面,没有名气,就卖不了画。其实莫奈和毕沙罗是要依靠卖画来维持生计的。印象派大展一共举办了八次,第一次是在1874年,集结了一批画家、艺术家、雕塑家和雕刻家一共160多幅作品参展。莫奈以《印象日出》(1872)展出,也因此这个团体以印象主义者被记入历史。第二次在1876年,塞尚因为抱着参加沙龙展的希望没参加印象派大展。第三次1877年,因为参加人数比较少,所以每个参展画家有机会展出更多的作品,莫奈30幅,德加25幅,雷诺阿20幅,毕沙罗22幅,这次展览水准齐整,观众反应稍好。到第四次(1880)展览的时候,有些人不坚定了,希望能得到沙龙主流的认可,比如雷诺阿和西斯莱参加了沙龙画展,而毕沙罗则介绍了高更(1848-1903)参加画展。第五次(1880)只召集到几个老会员有毕沙罗、德加等,其他人宁愿再次尝试入选沙龙碰运气。第六次(1881)参展的人数最少,莫奈和雷诺阿放弃了这个展览。第七次(1882)在毕沙罗的劝说下,莫奈、雷诺阿、高更、西斯莱都参加了大展,由于德加和高更的争执导致德加缺席。第七次是水准最平均的一次,莫奈参展了35幅作品。第八次(1886)由于毕沙罗坚持邀请修拉(分色点描画法)加入,和大家引起了分歧,莫奈因为画展背离了他原来的思想,所以没有参加。毕沙罗是唯一出齐八次大展的人,德加参加了七次。
(参考了毕沙罗画传、莫奈画传内容)
莫奈比较坚持自己,是个坚定的写实主义画家。他强调一定要忠实描绘自然,一直致力于捕捉飞逝的片刻,是个极端的印象主义者。塞尚形容莫奈:“他只不过有一双大眼睛,但却是多么奇特的眼睛!”
现在说说莫奈的经历。他出生在法国巴黎,在诺曼底海边长大。18岁受布丹的指引决定做一名画家。19岁在巴黎经布丹介绍,认识巴比松派画家,进入巴比松派画家指导的瑞士美术学院,认识了毕沙罗,开始和写实主义的艺术家来往。20岁入伍22岁因病退伍回到故乡哈佛港,然后到巴黎进入格莱尔画室认识雷诺阿、西斯莱和巴齐耶。26岁《绿衣女人》参加沙龙展,27岁《庭院中的女人》落选沙龙。1870年30岁时到伦敦参加第一届法国美术家协会展览。1871年在伦敦遇到避难的毕沙罗,后经荷兰回国,发现日本的浮世绘版画,买下数幅,开始对日本浮世绘感兴趣。1872年在哈佛港作画,画了《印象日出》。1874年到1882年参加印象派大展。1884年开始在法国南部和意大利作画。1886年参加美国印象主义大展。1889年他和罗丹在巴黎举办联展获得成功。1890在吉维尼买了一个大房子修建水上花园,开始画睡莲和日本桥。1890年着手画“白杨木”、“麦草堆”连作,这一年梵高自杀。1892年画“卢昂大教堂”连作。1895年旅行挪威。1899年夏天画“睡莲”连作,秋天在伦敦与泰晤士河畔作画。1900年因为白内障一只眼睛暂时失明。1906年继续画“睡莲”系列作品。1908-1912年开始威尼斯的连作画。1912视力恶化,1914-1916年开始画大型睡莲壁画。1922年另一只眼睛也因白内障濒临失明,不得不放弃作画。1923手术恢复部分视力,再次拿起画笔直到去世。
(此段基于莫奈画传加工)
由于孩童时期受生长环境的影响,导致他一生偏爱“水”的题材。莫奈被称为“水中的拉斐尔”,他对于水和色彩的表现有着杰出的成就。作为印象派大师,少不了对“光”的热爱,他不断探索光影下的自然景物,对同一主题在一天中不同的时间作画,以捕捉光影的变化对自然景物的气氛影响。他绘画的方式是把细节简化和单纯化,使我们更关注意象而非繁复的细节。描绘水的移动性,莫奈的笔触直而奔放。他的大笔触可以增进绘画的进度,捕捉到瞬间的印象,使绘画更接近于真实。莫奈非常注重对光源下的自然的描绘,他的画能很清楚地显示光的来源,莫奈笔下的人和自然在光影下是互相辉映融为一体的。为了使光的表现更真实,他加重了阴影对比的强度。比如同样是《青蛙塘》(1869),雷诺阿和莫奈就有不同的描绘手法。
雷诺阿《青蛙塘》

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 莫奈《青蛙塘》

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比起其他人,莫奈把考察物体表面在不同时间、不同空气状态下的反光特点的变化性质更推进了一步,他制定了严格的方案来画连作画。比如干草堆和卢昂大教堂系列。
吉维尼的干草堆(1984 )

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请一定点开大图看,太美了!
莫奈晚年很恋家,一方面是身体状况视力问题,一方面是他的亲人相继减少希望更多地和家人在一起。花园外的世界一直不太平,所以他更愿意留在家中做画。
莫奈在印象派画家中活得最久,而那时候现代主义绘画已经出现,野兽主义1905年,立体派1907年,达达主义1915年,1924年超现实主义,所以莫奈见证了印象派的没落和新兴画派的兴起。他一直坚持着自己的印象主义,在家中描绘水、睡莲、日本桥,研究对光的处理。他早期的画是对熟悉事物的简洁描述,而到了晚期作品就复杂多了,因为身处小空间和狭窄视角,有清晰边界和几种固定的色彩,反而他的笔触和色彩更倾向描绘广阔无边的景色,景物之间分不出边界,绵绵不绝的感觉。这是不是也反应出他身体状况不佳只能局限在小空间作画的纠结和苦闷的心境呢。1899年他开始画睡莲,到1926年他只能在卧室窗口观望大花园作画。
关于日本浮世绘对莫奈的影响,我直接把评论里 @张佳玮 的内容贴在这里供参考。
这幅画肯定最有名。

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然后吉维尼的桥和莲园都是日式风格。
浮世绘因为是印刷式画法,更平面化,更讲究大面积色块,当然还有东西方透视法的不同,这些都在后来的莫奈画里有体现。
实际上他1907年之后的睡莲画里不再有天空,纯粹是水面图纹时,有说法就认为他这种纯平面装饰性的做法是从浮世绘里学来的。
梵高是学歌川广重就不提了,但梵高知道歌川广重,也是1886-88那些年在巴黎接触了印象派这拨人的缘故。浮世绘在他们那组人里简直是代代相传的秘密。
哦对了,莫奈还有一个学浮世绘的大证据。
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这幅是葛饰北斋的。

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这幅是莫奈1866年前后的。
1918-1924年这个阶段的画,因为他的白内障导致的视力障碍,他的画也越来越混杂难以分辨边界。想想,1900年一只眼失明,1912年视力恶化,1922年另一只眼也几近失明,他后来的20多年一直在和视力做斗争,失去了塞尚描述的“看自然的大眼睛”,作为一个写实主义画家,着实是非常悲哀的事。
日本桥和睡莲(1899)

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一定要点开看大图哦,会震撼的。我个人比较喜欢1900年前的日本桥系列,是他的巅峰之作。
日本桥(1918-1924)几乎失明时的作品,由于视力模糊,对他的作品产生了很大的影响,有许多作品缺乏细节,变得非常抽象,色彩也十分强烈。他对此也非常不满意,摧毁了许多作品。

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【BBC】艺术精选系列:莫奈
关于晚年的睡莲,这个纪录片里有一段是这样说的。
1914年第一次世界大战爆发,莫奈不肯离家,宁愿死在自己的画作前,整个世界都动荡不安时,莫奈躲进了自己的画室。当他在家中作画时,他心里其实很担心自己的儿子,还有在前线战死的人们,也忧心自己生命的意义。他在一封信中写到:看到那么多人为国捐躯,我怎能还在考虑用哪种颜色或者笔法这些微不足道的事情。我们欣赏这些莲花作品时,要知道这些作品沁满了当时的惊惧与创伤。他以无比坚定的决心将情绪尽情宣泄在作品上,所有的规则都被抛开,色调变得非常厚重或者深沉,油彩切过整个画布,画上的物体紧紧相嵌,有时整个图上几乎看不到水,就象现实世界中的天翻地覆,

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(1914-1917)


看了一下分数最高的回答,感觉大多数人离绘画鉴赏比较远。前个月在看印象派画展的时候也有类似的情况,三三两两的观众中总有那些对作者、背景和一些基础理论耳熟能详的人在说个不停,好像知道了这些就懂了绘画鉴赏,也是内行了。但我想说,这玩意专业起来可以说很多普通人根本听不懂的话,但这才是绘画理论进步的真正意义,而大多数人轻易搜索到的作者情况,绘画背景,还有看起来专业的比如构图细节内容技法等等其实非常肤浅,这根本算不上鉴赏,只是解说罢了。而对普通人来说,所有绘画作品包括印象派,其实只有喜欢和不喜欢两种,喜欢的不用太深究原因,不喜欢的也不用强迫自己附庸风雅非得找点内心并不认同的理由来和人吹嘘。印象派是从巴比松开始的,在当时就是一群职业和非职业的艺术家在做一种非主流的研讨,他们并不以此谋生,因为主流商业绘画不认可这种理论,这种不考虑结构塑造而直接从眼睛出发去诠释内心感受的理论,在没过多少年之后变成了绘画基础理论的一部分,成为了现代绘画的理论基石。而莫奈晚年的睡莲,其实仍旧是遵从印象派理论的一幅作品:看到什么画什么,看不清的就模糊脑补。当然他有多年的艺术修养与沉淀,所以结果仍然是丰富而动人的。这里反驳下分数最高境界的答案里对张大千泼墨艺术高度的遗憾评价,个人认为离开详细理论和习惯技法的束缚,这时候的张大千作品才最为摄人心魄。最后,我觉得印象派最大的意义在于,区别于传统学院派的有色素描,它让绘画有了光影的科学理论,又反过来促进学院派乃至整个绘画艺术向前迈进一大步,划时代的。当然,最后我不得不说,这些印象派画家基本都是玩票,印象派作品也基本都是习作,赚钱靠不上,而真正一生身体力行研究并推动印象派的,是必沙罗。

年轻读书时候写过一篇小随笔散文,追求语言的优美和口感使用了许多叠词,贴上来。
看莫奈的画《睡莲》,心里惊喜的喊:就是这个感觉,就是这个感觉啊。学校外不远有个小山包,依山建了个公园,公园里有亭,亭前有半亩塘,塘一半种荷花,一半有睡莲。我常在亭里坐坐,坐着就不想走,心里便升腾起很多柔柔润润的东西,全身便懒洋洋的趴在木凳上。
睡莲象一只火炬,这个比喻用得好,特别是在秋雨中,江南的初秋总要一连阴湿几天,公园到处是冷的灰,泡在水中的黑色腐木渣,树耸搭着滴水,冰冷的木椅吱吱呀 呀,心情总有些蒙蒙悒悒,亭前的睡莲却灼灼的格外耀眼,心一下子敞亮了。看莫奈的画也是这么一瞬的亮,那深冷色调里面一块块一点点,多么明媚可爱。
眼睛近视,看什么都雾里看花,只有满眼缭缭乱乱的光光影影,形全冲虚散了。看过一些莫奈的画,我有些怀疑他也恐怕是近视,他的画和我眼中的感觉太象了。他的画里面没有了轮廓,在虚虚的笔触中能想象出轮廓,他随意几笔里面能看出很多精细的东西。
以前总是纳闷,为什么看到的世界用画笔表现不出来。绘画史就是绘画的技法进化史,人最原始无意识的状态是用线去画看到的东西,后来提出世界本来就没有线,于 是又用明暗去画东西。明暗的画法也有局限,远的东西画不出,对光复杂一些的东西画不出。他们画的和现实中是偷梁换柱了的东西,印象画派在明暗上又加了一些 光,此后的技法就再也没有突破,照相机等出现了,绘画还能从哪里突破呢?头痛,算了,又不关我的事情,我又不是画家。

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Photo and caption by Gilbert Sape
即使看过原作,但我一直不是很喜欢Monet的Nymphéas系列,直到看到上面这张照片之后,好感增加了很多。

Nymphéas但不是我心目中Monet最好的创作主题,我更喜欢Venezia和Londres系列,威尼斯的水和伦敦的雾和Monet的作品气质珠联璧合。技术分析我就免了吧,所以说怎么评价Monet的睡莲系列,我只能说在折腾了那么多年之后,Monet最终在Giverny的小花园里开始养老了,睡莲算作是Monet晚年身体抱恙行动不便的集大成之作。
Monet的画吧,怎么说呢,同一个motif会创作N多幅,彼此之间还都很相像,真的是老虎老鼠傻傻分不清楚。想研究明白,我告诉大家一个技巧,就是利用Wildenstein编撰的Monet的Catalogue Raisonné中的序列号,统一以W开头(Wildenstein的缩写,这个人很牛,有兴趣可以谷歌一下)。
Monet的睡莲在拍卖会上也不是完全的“保险”牌。最近两年就流拍了两幅,可能是因为中国土豪没有去买的缘故吧。
Claude Monet - Nymphe?as (W1684), 1906, 估价?30,000,000 - ?40,000,000, 流拍。 (2010/06/23, Christie's LDN7857, Lot 14, bought in)
此画曾于2000年5月8日在纽约佳士得以$20,906,000成交。

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最后附一张思维导图,19世纪艺术史简介,
贴几张莫奈的经典作品。图片tiff格式,文件大小200-1000mb/张
电脑快卡爆了,看细节(色彩的丰富、色相、明度、纯灰、冷暖、补色关系、颜色在空间中流动、别和我提:冷军、刘小东、曾梵志,一比都是娃娃),在大师面前说什么都苍白无力。
不要拿古典主义酱油调带颜色素描谈印象派的色彩。一个是素描,一个是色彩(19世纪物理学发展的结果,明白了光与色的基本规律)

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下面的这张是截屏的,这颜色恶心的没谁了。好是有根据的。

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 看颜色的微妙、从左手边-右手边:紫色-蓝色-黄色-绿色。

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 可能看官不懂哪里好,看颜色在空间中远近的微妙的变化(冷暖、纯灰、色相、明度、补色关系、形色交叠)

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色彩学科研究的是颜色,形退居服从地位,与古典油画正好相反,即使国内学习色彩有古典油画的审美,所以形色咬合更加考验考生,如果想取得好成绩,色彩、素描要两者兼得,也就是要有素描的严谨+色彩的绚烂。
很多学生和我说:老师大师的画灰蒙蒙的哪里好,唯有放大细节才明白真谛,网上的图片伤眼睛(这个图本来也很清楚的,上传之后模糊了3个度)

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  莫奈做成功的作品当属睡莲系列,对色彩的把控已入化境,虽然晚年有眼疾严重影响,不过就像张大千一样,反倒开辟出新的道路。

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 写实画家,的细节往往都是很写意的,所谓用笔草草,与照片的全息不同,大脑与手精妙配合,省去繁枝末节,提炼主要信息,并且加强这一信息达到为作画意图服务。

下面就是思维导图了,西画传承有序,你方唱罢我登场,如果顺着脉络走下去,你就明白当代艺术是有根的,这也是为何中国的当代艺术品乏味、粗制滥造,仅仅是因为没有土壤供艺术家扎根。
近些年随着与西方交流扩大,一批坚定拥护写实的当权者,为中国的油画发展提供坚实的土壤,所以基本功很重要,打好基础,再图发展,并不是盲目追随西方脚步(已经晚了)而是走出属于中国人自己的艺术道路。

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